Jak zrobić podbijający się elektroniczny utwór: Wprowadzenie do produkcji muzycznej dla FL Studio: 6 kroków

2024 Autor: John Day | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2024-01-30 11:29

Witam

Ten instruktażowy przewodnik pomoże początkującym i średniozaawansowanym producentom muzycznym w używaniu FL Studio do tworzenia różnych gatunków elektronicznej muzyki tanecznej. Omówi on podstawowe elementy tworzenia utworu, aby szczegółowo opisać podstawowe wskazówki i triki, które nowi producenci uznają za przydatne w przełamywaniu terenu za pomocą onieśmielającego interfejsu FL Studio.

Chociaż nie każdy aspekt produkcji muzycznej zostanie omówiony, niektóre z najważniejszych tematów zostaną przedstawione. Producenci średniozaawansowani również skorzystają z wyjaśnienia procesu twórczego oraz wskazówek dotyczących miksowania i syntezy.

Czego potrzebujesz:

· FL Studio 10 lub nowsza wersja

· Syntezator oprogramowania (masywny, serum, itp.)

· Wytrwałość

Słowniczek

• Workflow – rzeczywista sekwencja zdarzeń tworzenia utworu; powtarzalny proces tworzenia wzorów, struktury utworów i miksowania
• Pętla – sekwencja dźwięków odtwarzana w kółko, może odnosić się do decyzji twórczej w ścieżce lub próbce źródłowej
• Mix – sposób, w jaki dźwięki wchodzą ze sobą w interakcję; miksowanie to proces dostosowywania poziomów i częstotliwości dźwięku, aby zapewnić łatwość słuchania. Podobny do sposobu, w jaki różne kolory przechodzą i mieszają się ze sobą na płótnie
• Wrapper – okno, w którym FL Studio otwiera różne wtyczki
• Riser – pojedynczy lub warstwowy dźwięk, taki jak lead lub „sweep”, którego wysokość lub głośność rośnie powoli, aby stworzyć efekt narastania Downsweep – narzędzie przejściowe, które jest zasadniczo odwrotnością dopalacza

(Źródło obrazu:

Krok 1: Przed rozpoczęciem utworu

Notatka:

Wielu producentów uważa, że pomocne jest planowanie przed faktycznym stworzeniem dźwięków. Jeśli czujesz się komfortowo, skacząc prosto na tor, na wszelki wypadek idź na to. Pamiętaj też, że NIE MA ŻADNYCH reguł, jeśli chodzi o tempo lub kreatywne decyzje dotyczące produkcji muzycznej.

Zacznij od wybrania tempa, które pasuje do preferowanego gatunku muzyki. W zależności od przepływu pracy twórczej może to być moment, w którym decydujesz, jaki gatunek i podgatunek będzie miał utwór. W tym samouczku omówimy techniczne kroki w celu uzyskania określonych dźwięków, ale można je zastosować w wielu innych gatunkach.

Notatka:

Przed utworzeniem większej liczby dźwięków ważne jest zorganizowanie projektu w taki sposób, aby łatwo było znaleźć każdą próbkę i jej miejsce w mikserze.

Organizacja

Upewnij się, że każdy nowy dźwięk lub syntezator ma swoją własną nazwę, ścieżkę listy odtwarzania i kanał miksera, z których wszystkie można zmienić i oznaczyć kolorami!

Nazwij swoje wzory w sposób opisowy, abyś nie musiał ich szukać

Kliknięcie prawym przyciskiem myszy na element, którego właściwości chcesz zmienić, pozwoli Ci wybrać opcję „zmień nazwę/kolor”

Kliknij syntezator lub sampler i kliknij górną lewą strzałkę opakowania, a następnie wybierz „wolna ścieżka miksera”, która przypisuje syntezator do następnego otwartego kanału miksera. Kanał miksera można również zmienić i pokolorować w celach organizacyjnych

Możesz także zapisać cały projekt jako nowy szablon, dzięki czemu nie musisz tego robić za każdym razem. W lewym górnym rogu FL Studio kliknij Plik -> Zapisz jako szablon.

Krok 2: Rozpoczęcie utworu

Notatka:

Niektórzy ludzie lubią najpierw tworzyć pętle perkusyjne, ale często pomocne jest robienie tego dalej w procesie twórczym, aby uniknąć perfekcjonizmu, który odwraca uwagę od ostatecznych celów utworu, którymi są muzykalność i spójność. Często producenci słuchają tych samych pętli perkusji i melodii wielokrotnie dostosowując efekty i wyrównanie, aby uzyskać „idealny” miks. W tej chwili najważniejszą rzeczą jest zdobycie jak największej liczby pomysłów na stole. Efekty i wyrównanie zostaną omówione w dalszej części.

Próbowanie

Istnieje wiele sposobów na rozpoczęcie utworu, ale jedną z najpopularniejszych jest samplowanie. W Internecie znajdziesz mnóstwo wcześniejszych utworów i dźwięków, które stanowią mocny fundament melodyczny.*

1. Po znalezieniu odpowiedniej próbki przeciągnij plik.mp3 lub.wav do „reguły kanałów”. Warto wiedzieć, w jakiej tonacji i tempie znajduje się oryginalna próbka, aby można było dostosować wysokość dźwięku i rozciąganie w czasie do wybranego tempa. Ustaw pokrętło „time” tak, aby tempo odpowiadało tempu oryginalnego klipu, wyświetlanemu w lewym górnym rogu.
2. Świetną wtyczką do określania klucza próbki jest „GTune” (Rysunek 1). Otwórz tę wtyczkę na ścieżce miksera „master”. Odtwórz próbkę, patrząc na interfejs GTune, a zobaczysz, jakie nuty zawiera próbka!
3. Przeciągnij klip z samplera do listy odtwarzania i dostosuj wysokość tonu, aż uzyskasz żądaną tonację. Algorytm rozciągania w czasie można dostosować do różnych efektów. Pomocne jest kliknięcie magnesu w lewym górnym rogu listy odtwarzania i wybranie „brak”. Ta próbka będzie stanowić podstawę dla twojej melodii i struktury utworu. Upewnij się, że włączyłeś ponownie przyciąganie do „komórki”, gdy będziesz gotowy do umieszczania wzorów na liście odtwarzania!

Krok 3: Układ ścieżek

Notatka:

Rzeczywiste intro większości muzyki elektronicznej najczęściej charakteryzuje się pętlami perkusyjnymi i efektami dźwiękowymi, które stają się coraz bardziej złożone, aż do momentu wprowadzenia melodyjnego „załamania”. W tej sekcji masz największą elastyczność pod względem długości. Ważne jest jednak, aby nie wskoczyć od razu w „mięso i ziemniaki” piosenki, zwłaszcza jeśli twoim celem jest komercyjny sukces.

Struktura utworu

1. Wprowadzenie
2. Awaria
3. Nagromadzenie
4. Upuszczać
5. (Powtórz 2-4)

Ważne jest, aby płynnie przechodzić między tymi sekcjami utworu za pomocą podstopnic, ruchów w dół i bębnów. W zależności od energii, jaką chcesz mieć w swojej piosence, całe załamanie może być narastaniem do kropli. Jednak wielu artystów uważa, że powolne lub proste załamanie zapewnia wytchnienie dla skomplikowanego utworu. Wspólne motywy w podziale to akordy fortepianu, „odważne” syntezatory i próbki wokalne.

Krok 4: Budowanie fundamentu

Podstawowa melodia

Otwórz syntezator, taki jak Sylenth1, Serum lub Massive i wybierz proste ustawienie, takie jak fortepian lub instrumenty dęte blaszane, aby ułatwić słuchanie. W przypadku bardziej progresywnych i dłuższych utworów pożądane jest stworzenie melodii o długości co najmniej 8-16 taktów, aby nie była zbyt powtarzalna. W przypadku bardziej energetycznych piosenek, 4-taktowa melodia, która zmienia się w trakcie, może być wystarczająca, jeśli inne dźwięki są zmieniane

Kliknij na swój syntezator i otwórz rolkę fortepianu. Notatki można umieszczać za pomocą narzędzia Ołówek do umieszczania notatek pojedynczo lub za pomocą narzędzia pędzla do klikania i przeciągania wielu notatek w rzędzie. Pomocne może być granie sampla podczas tworzenia melodii, aby upewnić się, że utrzymają się na czas i w tonacji

Gdy masz już melodię, możesz zacząć tworzyć „łatkę” syntezatora, czyli charakteryzację i barwę dźwięku

Wskazówki i porady dotyczące melodii

Skopiowanie melodii i przesunięcie jej w górę lub w dół o oktawę da efekt „akordu” – najszybszym sposobem na zrobienie tego jest wciśnięcie ctrl+A, potem ctrl+C, potem ctrl+V i na koniec ctrl+shift+up lub down strzałka. (ctrl+strzałka w górę lub w dół przesuwa zaznaczone nuty o jeden półton)

Muzyka house jest niezwykle zróżnicowana, dlatego melodie mogą być bardzo proste lub bardzo złożone. Spróbuj połączyć dwie różne melodie z różnymi dźwiękami syntezatora w tonacji, aby uzyskać dynamiczny postęp

Niektóre syntezatory mają funkcję „legato”, która „przeskakuje” do następnej nuty, jeśli zostanie uruchomiona przed zakończeniem następnej. Włącz tę funkcję na swoim syntezatorze i rozszerz nuty, na których chcesz, aby zakończyły się po rozpoczęciu następnej nuty

Oto przykład 3 warstwowych melodii i jak można je łatwo dopasować do melodyjnej piosenki house!

Krok 5: Synteza

Notatka:

Serum i Sylenth1 to dwie potężne i niedrogie wtyczki, które można kupić w ramach planu płatności 10-13 dolarów miesięcznie. Nie jest jednak wymagany zakup syntezatorów, ponieważ niektóre z najprostszych darmowych wtyczek FL Studio są niezwykle wydajne. Chociaż ten Instruktaż pokazuje Sylenth1, wskazówki można jednak zastosować do dowolnego syntezatora.

Wskazówki

Twój utwór prawdopodobnie będzie zawierał wiele rodzajów „leadów”, które zostaną zdefiniowane jako instrumenty melodyczne o wyższej częstotliwości zsyntetyzowane z jednego lub wielu przykładów różnych przebiegów, z których najbardziej podstawowe obejmują fale sinusoidalne, piłokształtne, kwadratowe i trójkątne. Synteza jest procesem zaawansowanym, dlatego warto zapoznać się z instrukcją obsługi lub nieco zaznajomić się z wybranym syntezatorem w celu stworzenia własnego leadu. (Jeśli jesteś początkujący, dopuszczalne jest rozpoczęcie używania gotowych dźwięków dołączonych do syntezatora, znalezionych po naciśnięciu białej strzałki w lewym górnym rogu opakowania).

Super-piła ołowiu

Otwórz wybrany program i wybierz ustawienie początkowe lub „init”

Istnieją cztery „oscylatory”, zasadniczo maszyny, które bardzo szybko powtarzają określone przebiegi. W Sylenth1 możesz wybierać spośród wielu kształtów fal, z których każdy ma swój własny, odrębny dźwięk. Włączenie wielu oscylatorów z różnymi kształtami fali może stworzyć fajne kombinacje brzmiące. Przydatną funkcją jest „udźwiękowienie”, która stworzy kolejne instancje przebiegu, które będą odtwarzane jednocześnie.

Obróć pokrętło głośności do końca na jednym z oscylatorów i upewnij się, że jest ustawione na falę piły

Podkręć głosy na jednym oscylatorze do 8 i podkręć pokrętło „detune” do około 1/3 maksimum

Jeśli wynikowy dźwięk jest zbyt „ziarnisty”, zwiększ ton o jedną oktawę na interfejsie oscylatora. Masz teraz podstawową superpiłę!

Podnieś suwak „R”, gdzie jest napisane „Amp Env”

To doda „uwolnienie” prowadzącemu lub krótki czas po zaprzestaniu grania nuty, że prowadzący będzie kontynuował grę i zaniknie. Zwolnienie jest przydatne, gdy brzmi bardziej naturalnie i mniej gwałtownie. Następnym krokiem będzie teraz wprowadzenie pewnych efektów do tego leadu, aby brzmiało mniej „surowo” lub „sucho”.

Naciśnij pole obok „Reverb” i „Delay”. Ustawienia tych efektów nie zostaną omówione w tym przewodniku, ale łatwo jest grać z ustawieniami, aby uzyskać pożądany dźwięk

Krok 6: Mieszanie

Jeśli jeszcze tego nie zrobiłeś, przypisz swój syntezator do darmowej ścieżki miksera. W idealnym przypadku każdy dźwięk w utworze będzie miał własną ścieżkę miksera, dzięki czemu można łatwo dostosować ich poziomy głośności. Miksowanie to skomplikowany temat, ale jego podstawową funkcją jest upewnienie się, że dźwięki w utworze dobrze się komponują.

Każda piosenka składa się z częstotliwości od 20 Hz do 20 kHz, czyli efektywnego zakresu ludzkiego słuchu. Zakres ten można podzielić na subbas (20-80 Hz), bas (około 80-160 Hz), średni zakres (160-3000 Hz) i wysokie częstotliwości (3000-20000 Hz).

Głównymi narzędziami zapewniającymi odpowiednią głośność każdego zakresu częstotliwości są regulacja głośności i korekcja. Różne instrumenty zajmują różne zakresy częstotliwości i dlatego muszą być dostosowane indywidualnie i unikalnie do wybranej kombinacji

Nie ma zestawu zasad, które dokładnie określają sposób mieszania za każdym razem. Dobrą zasadą jest to, że jeśli coś brzmi dobrze, użyj tego! Jedynym problemem jest to, że jako początkujący producent masz niewytrenowane ucho i możesz nie być w stanie określić, co obiektywnie brzmi dobrze

Notatka:

Proces mieszania można porównać do płótna użytego do malowania. Różne kolory farb są twoimi instrumentami, a pociągnięcia pędzlem to twoja aranżacja tych instrumentów. Intuicyjnie, gdyby malarz po prostu umieścił wiele kolorów jeden na drugim, wynikowy kolor byłby czymś niepodobnym do oryginalnych kolorów i wcale nie wyglądałby dobrze! Ta sama koncepcja dotyczy twoich instrumentów i ich częstotliwości. Jeśli dwa instrumenty zajmują tę samą częstotliwość, będą się wzajemnie zakłócać i wcale nie brzmią zbyt dobrze. Jeśli łączna głośność przekroczy zero decybeli, instrumenty będą się „zacinać” lub ulegać zniekształceniu. Ważne jest, aby unikać niezamierzonego obcinania. Tutaj w grę wchodzi korekcja i regulacja głośności.

Wyrównanie

Najpierw otwórz mikser i wybierz ścieżkę, z którą połączony jest syntezator. Kliknij jedną ze strzałek i wybierz „Fruity Parametric EQ 2”. Możesz teraz regulować głośność całego zakresu częstotliwości. Ogólnie rzecz biorąc, lepiej jest obniżać lub „przycinać” częstotliwości niż je podbijać, aby zapobiec przycinaniu. Oto kilka ogólnych wskazówek dotyczących wyrównania różnych instrumentów.

Leads – drastycznie obcinaj dolny koniec, około 200-300 Hz, aby zapobiec kolizji z perkusją i basem. Kiedy odtwarzanych jest wiele leadów naraz, spróbuj wyciąć średnie częstotliwości każdego dźwięku, które w najmniejszym stopniu wpływają na charakter leada. Wzmocnij nieco około 10 kHz, jeśli pożądany jest efekt „zaszumiony” lub „swishy”

Bass – obniż poniżej 20-30 Hz, aby wyeliminować niesłyszalne częstotliwości, które będą zakłócać perkusję; ten krok nie jest niezbędny, ale konieczny w przypadku bardzo dużych głośników, takich jak kluby i koncerty. Wzmacniaj lekko od 40-160 Hz i tnij umiarkowanie powyżej 300 Hz

Kick – Wyrównanie kopnięcia to głównie decyzja twórcza zależna od tonacji próbki. Upewnij się, że twoje uderzenie jest wzmocnione lub około 60-200 Hz, co nie powinno kolidować znacząco z basem, ponieważ generalnie nie zagrasz ich dokładnie w tym samym czasie. Obcinaj częstotliwości według własnego uznania od 200-2000 Hz, ponieważ ten zakres niesie największe ryzyko przesterowania i jest najmniej ważny dla charakteru kopnięcia. 2-10 kHz to zakres, który określi, jak „mocny” jest twój kopniak, a poziomy częstotliwości w tym zakresie są zwykle twórczą decyzją

Snare – Jeden z najtrudniejszych dźwięków do wyrównania, lekko podbij w okolicach 200-400 Hz. Zakres 500-1000 Hz często ma niepożądane częstotliwości iw tym zakresie należy ciąć selektywnie. Częstotliwości 2-10 kHz są najważniejsze dla „trzaskania” lub „trzaskania” werbla, więc poeksperymentuj z lekkim podbiciem na różnych częstotliwościach w tym zakresie

Powinieneś idealnie wyrównać każdy dźwięk w swoim utworze, nawet jeśli ma to na celu wycięcie niepożądanych częstotliwości. Zawsze jest możliwe, że coś, czego nie słyszysz, może zakłócać pracę Twoich instrumentów!

Znasz już podstawy tworzenia utworu w FL Studio. Powodzenia w twoich muzycznych przedsięwzięciach!